DARK MOOR: "Tour Autumnal 2009"

Viernes 24 de Abril de 2009. Sala Heineken. Madrid.
Por tercera vez veía a este grupo en directo. Y por primera vez con Alfred en las voces. La sensación que me dejaron fue agridulce. Enrik, Mario y Roberto son unos fieras (desde luego, me parece mucho mejor el bajo y la guitarra de este grupo que los de Kamelot). Los duelos/retos que se marcaron Mario y Enrik hicieron que se me pusieran los pelos como escarpias, rozando el virtuosismo y añadiendo notas de humor, como aquella vez que Mario ponía notas a los solos de Enrik. La batería es muy potente y directa. Explosiva. Pero Alfred me desilusionó un poquito. Le resultaba difícil llegar a los tonos más altos (seguro que el pobrecillo estaba un poco resfriado). Apenas recurrieron al repertorio antiguo, a excepción de "Before the duel" de su album "Beyond the sea" y una versioncilla instrumental de una de sus mejores canciones "The maid of Orleans", en la que hablan de Juana de Arco. Repasaron su último disco casi a la totalidad (empezaron con "Swan Lake"), a excepción de la orquestal "Fallen Leaves Waltz", pero tampoco la echamos de menos. Tocaron algún tema de "Tarot" (por supuesto no podía faltar "Lovers") y una versión (je, je, je... no sé cual era). Luego saludaron a la gente demostrando, eso sí, que son unos tíos majísimos y muy cachondos, sobre todo esa gracia gaditana "que no se puede aguantar" de Alfred. En eso os doy un 11. Además, durante el concierto estaban cada dos por tres agachándose a darles la mano a todos los que estaban en primera fila. Muy cercanos y accesibles, cálidos y entregados. Para quitarse el sombrero.

Dark Moor es un grupo que ya tiene unos cuantos años. Yo los conocí a finales de los 90 (1999) cuando me compre su primer album "Shadowland". Pese a su sonido algo flojo, aquello ya sonaba distinto a todo lo que había oído antes en España. Sus partes orquestales y sus textos en inglés los hacían destacar. Eso sí, a mí nunca me acabó de convencer la voz de Elisa.
En su segundo disco "The hall of the olden dreams" comienza su relación con el productor Luigi Stefanini y comienzan a grabar en los estudios New Sin de Italia. El sonido es brutal. El salto cualitativo respecto a su anterior trabajo es apabullante y el grupo encuentra un nuevo sonido que les engrandece y aporta un componente épico a sus composiciones que les viene muy bien para despuntar y, desde ya mismo, convertirse para mí en el mejor grupo de heavy español. Además, de Madrid (¡Toma ya!). Corría el año 2000.
"The gates of Oblivion" mantenía esa calidad de sonido y aumentaba su componente orquestal. En mi opinión los temas no llegaban tanto como los de "The hall..." pero seguían siendo espectaculares.
Luego se produjo un punto de inflexión en DM, la llegada de Alfred. Este chico me dejó alucinado en cuanto oí "A life for revenge", el primer tema de su disco homónimo "Dark Moor" en 2003. Una voz de tonos agudos muy personal y característica. Desde ese momento me hice un fan declarado de este grupo. Guardo como un tesoro su disco firmado.
"Beyond the sea" en 2005 levantaba un poco el pie del acelerador y DM entregaba un trabajo más reposado y cercano al Hard. Aún así, temas como "Before the duel" hacen que sigan siendo muy especiales.
Al llegar al año 2007 me sorprendió de manera espectacular un disco conceptual que nos regalaron. "Tarot". Me quedé sin palabras. Enrik parecía no tener techo como compositor y Alfred hacía suyas todas y cada una de las melodías vocales de este excepcional y sobresaliente trabajo. Es muy difícil destacar alguna canción, pero "Lovers" es preciosa. "The Chariot", "The Star" e incluso "The Moon" un tema de 10 minutos basado en la 5ª de Beethoven, con el "Claro de Luna" en medio de la canción. Enrik homenajea (de verdad, Samael) a sus compositores clásicos favoritos adaptando una de sus obras a la música de DM. Con respeto y entrega, nos acerca temas como este del que he hablado, "Vivaldi's Winter" en "Beyond the sea" y...
"Swan Lake" en "Autumnal". Como primer tema de un disco aparecido en el mes de Febrero de este mismo año. Parecía imposible que sonaran mejor que en "Tarot"... pues lo han vuelto a conseguir. Un sonido más adulto y con un Alfred cantando en tonos más graves (según una entrevista, en su auténtico tono, pues él es barítono... quién lo diría) que les daba un aire más... otoñal. Como trabajo más compacto que "Tarot", pero me seguirán gustando más los temas de la baraja. "An end so cold" y la épica "For her", que narra la vuelta a Ítaca de Odiseo (por ella, por Penélope) son puntos álgidos de "Autumnal".
Este grupo siempre ha destacado por contar con unas letras cargadas de sentido y adaptando historias universales. Cuentan con el trabajo en ese apartado de Francisco José García. Sus letras versan sobre Juana de Arco, Atila, Quasimodo, Orfeo, etc. Gracias a Edu y a su programa de radio "El abrazo del oso" (http://www.elabrazodeloso.es/) pude descubrir todo el universo detrás de los textos de este gran grupo porque, y esto lo digo totalemente en serio, una canción gana mucho si lo que se dice tiene sentido y toda una historia detrás. Así, por ejemplo, todas las tribulaciones de Ulises cobran especial importacia cuando Alfred entona "For her".
Ojalá este grupo acabe de despuntar y despegue como realmente se merecen. aún no pueden vivir de la música, pero tienen talento y sólo necesitan un pequeño empujoncito y algo de suerte. Eso sí, cada disco que sacan siempre supera en ventas al anterior. Supongo que "Autumnal" no será una excepción. ¡Demos una oportunidad a Enrik y a los suyos!
Y para finalizar, os dejo unos cuantos links.
- Web oficial del grupo: www.dark-moor.com
- Canal oficial de youtube para ver todos sus videos: http://www.youtube.com/theofficialdarkmoor?gl=ES&hl=es
- Programa de "El abrazo del oso" del 25 de Marzo de 2009 en el que Enrik y Francisco José hablan sobre "Autumnal": http://rapidshare.com/files/213584698/El_Abrazo_del_Oso_-_25-03-2009_-_Autumnal_-_Mono.mp3

KAMELOT: "Rule the World Tour 2009"

De izquierda a derecha: Thomas Youngblood. Guitarra. Oliver Palotai: Teclados.

Khan: Voz. Casey Grillo: Batería. Glenn Barry: Bajo.

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Sábado 4 de Abril de 2009. Sala Heineken. Madrid.

Por fin puedo ver en directo a uno de mis grupos favoritos. Al fin se animan a venir a España en la gira de su último disco "Ghost Opera", editado en 2007.

La sala se llenó mucho, de hecho colgaron el cartel de "No hay billetes". En su página oficial figura como "sold out" el show de Madrid. Así que espero que se dieran por enterados de que queremos que vuelvan pronto. Creedme... se enteraron.

Pasemos al concierto en sí. Los primeros en salir al escenario fueron los holandeses Delain. Una banda de metal gótico/progresivo con voz femenina. Es un grupo que, pese a no haberlos escuchado apenas, me gustaron mucho en directo. La cantante, que ni siquiera ha cumplido 22 años, demostró que tiene tablas y voz suficiente para cargar con sus 4 compañeros a la espalda, algo más estáticos y sosos. Pero me dieron una buena impresión.

Luego, según el guión del concierto, deberían tocar Serenity, pero la locura se desató en la sala cuando descubrieron la batería con el doble bombo de Kamelot e izaron la bandera del grupo en el fondo del escenario. Nadie nos dio explicaciones y nunca supimos qué fue de los segundos teloneros (luego me enteré que el cantante se puso griposo, cancelando los conciertos de España). Pero poco importaba. Nos daba igual. Mejor incluso. Tantas eran las ganas de ver a Kamelot que nadie (o casi nadie) se preocupó por Serenity.

Las luces se apagaron y empezó a sonar el tema introductorio mientras veíamos salir a Oliver y a Casey para colocarse en sus puestos (el teclado se encontraba en el lado derecho del escenario). Luego salió el bajista, que no era Glenn, sino Sean Tibbetts, y se subió a uno de los altavoces cerca de Oliver. De esa manera esperaron unos instantes hasta que apareció el señor Youngblood con su guitarra roja y se subió, a su vez, a otro altavoz en la parte izquierda. Las primeras notas de esa gran canción llamada "Rule the World" comenzaron a sonar desatando la locura entre todos nosotros porque aquello sonaba de lujo. Y en ese instante apareció Khan vestido con el abrigo que veis en la foto. Dijo "Hola, Madrid" y desde ese momento nos ofreció un recital vocal difícilmente comparable. Pese a que he perdido algo de comba en lo que a metal se refiere, os aseguro que Khan posee la mejor voz de este mundo. Es un hombre alto, de presencia imponente, gestos muy teatrales y movimientos y posturas más de intérprete que de músico. No es un heavy que mueva la cabeza al ritmo de la música, más bien parece un actor interpretando los diversos papeles que desempeña en sus canciones. Las canciones de Kamelot tienen mucho de piezas dramáticas gracias a la voz y a la actitud de Khan.

Siguieron canciones de sus últimos 4 discos, a saber: "Karma", "Epica", "The Black Halo" y "Ghost Opera". Contaban en el escenario con el apoyo de una cantante que hace los coros y las partes solistas en canciones como "The Hauntng". Uno de los momento álgidos se produjo cuando cantaron "Anthem", una preciosa balada del último disco que Khan dedica a su hijo, Gabriel. Acompañado sólo por el piano de Oliver y una ligera percusión de Casey, la voz del noruego se adueña del escenario. La iluminación es escasa y la emoción con la que este hombre canta nos llega a todos, haciendo que le dediquemos una ovación que parece sorprenderlo incluso a él. Qué potencia vocal y qué delicadeza al mismo tiempo. Su garganta es milagrosa.

Hubo solos instrumentales (de bajo, batería y teclado) y una cancioncilla instrumental que se marcaron mientras Khan descansaba. Grillo es un fiera con las baquetas y los demás son solventes, aunque siempre pensé que Youngblood es mucho mejor compositor que intérprete. Son algo estáticos en el escenario, pero teniendo cerca a alguien como a Khan, es más inteligente delegar todas las funciones de animar el ambiente en sus manos.

Me gustaría destacar un par de momentos divertidos que sucedieron durante la canción "Forever". Khan presentó a sus compañeros y, cuando llegó a Thomas, se confundió de nombre. Pareció como si se quedara en blanco y empezó a reírse pidiendo disculpas al guitarrista, que tampoco podía contener las carcajadas. Luego, como la sala contaba con una terracita superior donde también había público, Khan nos explicó pacientemente en inglés que quería que cantaran sólo los de la planta superior. Tras ello, él lanzó un grito que corearon todos los asistentes. Él, riéndose, volvió a explicar que no, que quería oír cantar sólo a los de la planta de arriba. Nada, todos a la vez. parece que aquí no se habla muy bien inglés. Poseedor de un carisma arrollador, nos retó a repitiéramos los mismo que él iba a cantar. Tras un par de repeticiones muy cercanas a lo que él hizo, nos dijo que venía la última y que deberíamos superarnos. y vaya que lo hicimos. Tanto le sorprendimos que él se animó gritando "Yeah!"... ¡¡¡sin micrófono!!! Y se le oyó claramente. Aparte de todas las cualidades antes citadas, potencia tampoco le falta. Supongo que el Barón y Samael, mucho más conocedores que yo de la música y de sus mecanismos, podrían añadir algo sobre la voz de Khan, hablar de su timbre y de su registro, etc.

Os voy a contar algo. Cuando la gente aplaude a un grupo o cierta canción que les ha gustado especialmente, estoy hablando de conciertos de metal, las actitudes de las bandas suelen ser de agradecimiento. Pues ayer, en más de tres ocasiones, Khan se calló durante la presentación de alguna canción porque toda la gente nos pusimos a gritar "¡¡¡Kamelot, Kamelot, Kamelot!!!". Os aseguro que la cara de Khan era de auténtica sorpresa. Se callaba, observaba a la gente, sonreía, miraba a sus compañeros y luego se llevaba la mano al pecho para hacernos saber que le llegaba nuestro cariño. Pero estaba muy sorprendido. Creo que no se esperaban a este público o esta entrega con ellos. De verdad, estaban alucinando con nosotros. He visto mucho conciertos y la cara de Khan ayer era de auténtica sorpresa y emoción. Se le ponía esa sonrisa nerviosa en la cara y se quedaba callado. De hecho, empezó a contarnos algo y se le iba ligeramente la voz... tremendo. Lo que nos contó fue que esperar a que empezara el concierto era algo bastante aburrido casi siempre, pero que nosotros habíamos hecho que toda la espera mereciera la pena y que nos prometían volver muy pronto a Madrid: "¡I love you all!", concluyó.Tras dos bises, en los cuales tocaron tres y una canción respectivamente, se despidieron de nosotros con la satisfacción del trabajo bien hecho. Yo siento no haber hecho ninguna foto ni ningún video y tener que recurrir a lo ya existente para ilustraros algo acerca de este inmenso grupo, pero como ellos prometieron volver yo prometí ir a verlos de nuevo, así que del siguiente concierto no me vengo sin documentación gráfica.

Me gustaría agradecer a Edu (http://www.elabrazodeloso.es/) su compañía durante el concierto y esos pinchitos de Lizarrán que nos cargaron de energía antes del evento. ¡Un abrazo! Y por esa cerveza Leffer que descubrí después, mientras dábamos tiempo a que Kamelot salieran. Y allí les vimos, charlando amablemente con sus fans. Estaban Oliver y Casey y allí, detrás del autobús, un grupo de gente que rodeaba a Khan mientras él con una ámplia sonrisa, repartía firmas y se hacía fotos con todos los que quisieran. Cercano y encantador, he de romper una lanza en su favor, porque siempre me pareció una persona altiva y chula. Todo lo contrario. Es esa faceta de intérprete que desarrolla durante los conciertos, porque se le ve buena gente.

Y un saludo para Nura, que seguramente disfrutó tanto o más que yo, pese a que al final no nos vimos. Si quieres añadir algo más, o corregir algo de lo que escribo aquí, te lo agradecería. Para el siguiente quedamos, ¿vale?

Aquí os dejo un link a la página oficial del grupo y, más adelante, un link directo a los vídeos, para que os paséis y disfrutéis. Os recomiendo "Rule the World" y "The Haunting".

http://www.kamelot.com/

http://kamelot.com/index2.htm

http://kamelot.com/media_videos.htm

Lo mejor de 2008

Películas favoritas de “Cinemanía”:

10- Rebobine, por favor.
9- No es país para viejos.
8- En el valle de Elah.
7- Escondidos en Brujas.
6- Pozos de ambición.
5- WALL·E.
4- Viaje a Darjeeling.
3- Antes que el Diablo sepa que has muerto.
2- 4 meses, 3 semanas y 2 días.
1-The Dark Knight.

Al darme cuenta de que no estaba totalmente de acuerdo con ello, me decidí por examinar mis experiencias y sacar mis propias conclusiones. Se parecen, pero hay diferencias importantes. Me gustaría resaltar alguna que otra película más, pero con 11 ya era suficiente.

Películas favoritas de Tempus (era difícil quedarme con 10).

11- Camino (Javier Fesser). Nunca me llamó mucho la atención Javier Fesser, pero con esta película me ha conquistado. Puede que peque de maniquea, que la fantasía chirríe en ciertas ocasiones, que su metraje juegue en su contra. Pero que alguien cite alguna película española que se asemeje a esta. Es muy novedosa y original. Además, el tema que trata resulta, desde mi punto de vista, muy atractivo. Y nadie podrá olvidarse de los ojos verdes de Nerea Camacho.

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10- Hellboy II: el Ejército Dorado (Hellboy II: the Golden Army, Guillermo del Toro). Porque el barroquismo que destila el mercado de los duendes es arrebatador. Porque la imaginación que le sobra a Del Toro le falta a muchísimos cineastas hoy en día. Por llevarnos a un mundo en el que los monstruos son los buenos (¡Cómo me gusta!) y en el que la fantasía es lo principal. Brillante la escena en la que Hellboy y Abe Sapien, enamorados, ahogan sus penas en alcohol, cantando a dúo. Me muerdo la uñas por ver lo que hará con “El Hobbit”… ¿vosotros no?

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9- Los cronocrímenes (Nacho Vigalondo). Hay que seguir atentamente a este hombre. Vigalondo nos cuenta, con muchísima imaginación, una historia de ciencia ficción (sí, habéis leído bien, en una peli española) en la cual un hombre deberá cuidarse… de sí mismo. Me recordó al debut de Álex de la Iglesia. Las vendas rosas y las tijeras nos permiten reconocer a un personaje icónico, patético y muy humano. A ver si el propio Nacho Vigalondo, que sale en la cinta como actor, se paga algunos cursos de interpretación. Ojalá siga sorprendiéndonos.

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8- El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, James Mangold). Vaya par de monstruos enfrentándose: Bale y Crowe. Bueno y malo… ¿Malo? No queda tan claro según avanza la cinta. El mero hecho de verles compartiendo plano y enseñándose lecciones el uno al otro merece el precio de la entrada. Al final, en ese tren al que deberá subir Crowe, viajarán muchos matices de ambos pistoleros, que se respetan y se admiran. Pero es que, además, la historia engancha desde el principio y, personalmente, me encanta el personaje que construye Russell Crowe, un “malo” con carisma y magnetismo. ¡¡¡Y ese duelo final!!!

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7- Michael Clayton (Michael Clayton, Tony Gilroy). Todos deberíamos agradecer a alguien como George Clooney, que lo tiene todo para triunfar con películas que exploten su (atractiva) imagen, que se embarque en proyectos como este. Denuncia social, thriller complejo y absorbente, cámara al hombro, pocas explicaciones, interpretaciones ajustadas y contenidas. Pocas veces (quizá con Syriana me sucedió también) he deseado tanto ver de nuevo la cinta para captar todos y cada uno de los matices que me ofrecía. ¿Qué tipo de persona eres?

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6- Pozos de ambición (There will be blood, Paul Thomas Anderson). Daniel Day-Lewis. Sin palabras. Excesivo. Estremece, asusta y, en ocasiones, rezuma patetismo por toda su piel. Lo de P. T. Anderson es para analizar aparte. Tras Boogie Nights y Magnolia, nos entrega este melodrama que nunca aburre, no se hace largo y, además, nos plantea una reflexión acerca de la naturaleza del bien y del mal que deja un poso de inquietud al salir de la sala. “¡Soy un pecador!”

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5- No es país para viejos (No country for old men, Joel & Ethan Coen). Ya era hora de que unos cineastas tan especiales y necesarios como los hermanos Coen gozaran del reconocimiento que se merecían. Está claro que todo el pesimismo que destila esta película nos hará sentirnos mal y que el final (sin luz) que nos muestra Tommy Lee Jones dejará frío a más de uno, pero… ¡qué bien me sentó ver algo así en el cine! Oscar para Bardem, por si alguien no lo sabía.

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4- Antes que el Diablo sepa que has muerto (Before the Devil knows you're dead, Sydney Lumet). Os recuerdo que el director tiene 83 años. Esta historia de perdedores sin principios y sin moral es toda una lección de cine. El casting de esta película es el mejor del año. Todos están perfectos. Dos hermanos planean (más bien uno convence al otro), para salir de sus respectivos apuros económicos, atracar la joyería de sus propios padres. ¿Saldrá algo bien? Me creo todo lo que sucede en la película, y eso es decir mucho.

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3- WALL·E (WALL·E, Andrew Stanton). ¿Hay alguna persona que no se enternezca al contemplar a ese entrañable robot? ¿Cómo son capaces de dotar de tanta sensibilidad a un personaje generado por ordenador? Pixar va cada vez más lejos. Aunque para mí “Ratatouille” sigue siendo su mejor película, la primera media hora de WALL·E, sin diálogos, es brillante.

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2-4 meses, 3 semanas y 2 días (4 luni, 3 saptamâni si 2 zile, Cristian Mungiu) . Por su veracidad, su capacidad de estremecernos con sus diálogos y (sobre todo) sus silencios. Es un puñetazo de puro cine a la boca del estómago. Porque el director no juzga los hechos, simplemente nos los muestra. Ese plano del feto… ¿necesario? No sé, pero es imposible quitárselo de la cabeza. Y esa mirada a cámara… impagable. Si quereis saber más, os recuerdo que en este mismo blog hay un análisis mucho más en profundidad de esta imprescindible obra maestra http://amseriad.blogspot.com/2008/10/4-meses-3-semanas-y-2-das.html

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1- El Caballero Oscuro (The Dark Knight, Christopher Nolan). Porque Cristian Bale mola. Porque Chrsitopher Nolan mola mucho. Y porque Heath Ledger crea, a mi juicio y a costa de resultar repetitivo, un personaje antológico. Su Joker es lo mejor de la película y de lo mejor del año. La película nos entrega la espectacularidad que este tipo de cintas demanda y la combina con una inmersión en la mente de un Batman (cuyo nombre desaparece del título) tan humano que asusta, llevándolo al límite. Y claro que hay un caballero blanco en Gotham... Además, es la película “de superhéroes” que más me ha gustado.

4 Meses, 3 Semanas y 2 Días

Yo siempre me he manifestado a favor del aborto. En esta película, el director nunca toma partido. Simple y llanamente nos muestra sin adornos los terribles acontecimientos que estas dos estudiantes (maravillosamente interpretadas por Anamaria Marinca y Laura Vasiliu) se ven obligadas a vivir. Durante la historia, su amistad se verá puesta a prueba. Una de ellas pide ayuda a la otra para realizar un aborto clandestino. La película comienza y acaba en el mismo día, el día señalado para pasar ese mal trago en una habitación de hotel cuyas amarillentas paredes rezuman agonía. Los monstruos se encuentran entre nosotros. Cuando el miedo nos acompaña a cada paso que damos, una simple recepcionista nos aterra. Un poco más de hora y media de metraje. Ni un segundo de respiro, la angustia en su máxima expresión. No lo pasareis bien viéndola, pero nunca el cine me pareció más puro ni más necesario y evocador. Y qué decir de ese plano final que calificaría de genial. Una obra maestra con mayúsculas. Esta película ya ha pasado a formar parte de mis 10 películas favoritas. Por lo que cuenta y por cómo lo cuenta. Os la recomiendo encarecidamente.

Cristian Mungiu, director, guionista y productor, nació en 1968 en Lasi, Rumanía. Estudió Literatura Inglesa en la Universidad de Lasi y, posteriormente, Dirección Cinematográfica en la Facultad de Cine de Bucarest. Según sus propias palabras: Antes de empezar a rodar, hablé con Oleg Mutu, mi socio y director de fotografía, para saber qué estilo sería mejor para la película. Decidimos inclinarnos por la sobriedad y desechar todo lo que pudiera parecer ensayado o convencional. No usamos trípode, pero tampoco una steadicam. No usamos travellings ni grúas. Decidimos rodar cada escena con una sola toma y permitir al actor que usara el espacio detrás de la cámara. Nunca hicimos panorámicas ni inclinamos la cámara para ver la cara de un actor. Hay diálogos hablados fuera del encuadre o con actores con la cabeza fuera del plano. Decidimos rodar a los actores de espaldas si era necesario. Poco a poco, abandonamos todo lo que podía considerarse demasiado bonito, demasiado ensayado, incluso la maravillosa nieve que cae al final de la última toma. Intentamos concentrarnos en capturar la emoción y la verdad.
A veces el encuadre es de unas piernas, incluso de un personaje que ni siquiera está hablando. Hay una secuencia angustiosa que trascurre en la calle, de noche. Se oyen los perros ladrar y apenas hay luz por las aceras, una de las protagonistas recorre un incierto trayecto en el que ella misma desconoce su destino. Os aseguro que pocas veces he sentido tanto malestar ante una pantalla de cine. La veracidad se palpa, se nota, se huele. Y eso, dentro del contexto de la terrible historia que nos cuenta, ayuda a convertirla, casi, en una película de terror. Según el crítico de “El País”, Carlos Boyero: Esta película tan austera como sugerente, tan veraz como tenebrosa, tan realista como crítica, tiene en muchos momentos el aire de una pesadilla, el aroma del cine de terror. No hay asesinatos en ella, ni sustos, ni golpes de efecto, aunque la imagen de una mujer frenética que va buscando ayuda en la noche, chapoteando en esas calles embarradas y rodeadas de perros sin dueño, inspira el desasosiego, el suspense, el mal rollo y el pavor que caracterizan al género del estremecimiento.

4 Meses, 3 Semanas y 2 Días forma parte de un proyecto más amplio titulado “Relatos de la edad de oro”, una historia subjetiva del comunismo en Rumanía contada mediante su leyenda urbana. Rumanía estuvo sumida en una dictadura comunista durante 24 años (desde 1965 hasta 1989), bajo el puño de hierro de Nicolae Ceauşescu. El objetivo del proyecto es hablar de aquel periodo sin hacer referencias directas al comunismo, contando diferentes historias que enfoquen opciones personales en una era de infortunio en la que la gente tuvo que vivir como si fueran tiempos normales. Veremos qué más nos pueden ofrecer los cineastas rumanos, pero si son como Mungiu, bienvenidos sean.

Ganó la Palma de Oro de Cannes y los premios de la Academia del Cine Europeo a la mejor película y al mejor director en 2007. Incomprensiblemente, no consiguió el Oscar.

Six Feet Under

Antes de que comenzara el verano me propuse un objetivo. Siguiendo los consejos y recomendaciones de dos buenos amigos, Tzeentzy y África, adquirí las cinco temporadas de la serie "A dos metro bajo tierra", "Six Feet Under" en el idioma original, que estaban en las tiendas. Me costaron 20 € la primera y la segunda, más 30 € de la tercera y la quinta. La cuarta fue la más cara, ya que pagué 40 € por ella. En total suman 140 € de televisión pura.

La serie la escribió Alan Ball (ganador del Oscar por el brillante e inteligentísimo guión de "American Beauty" en 1999) a petición de una directivo de la cadena HBO. Corría el año 2001 cuando sucedió. En España nos llegó a La 2 los jueves p0r la noche. Debe ser que en ese momento estaban cortos de ideas porque compraron dos series americanas para emitirlas seguidas. la otra fue "Las chicas Gilmore" (sic). Tzeentzy grabó el capítulo piloto y luego me invitó a verlo al día siguiente. Flipé. En serio. No estaba acostumbrado a ver algo así en televisión. Y además... era una serie. Por desgracia, me resultaba muy difícil seguir su desarrollo debido a las altas horas que era emitida y perdí el hilo rápidamente. Afortunadamente, me dejaron la primera temporada que me vi rápidamente. Me encantó, pero a su vez hizo que me saturara. Éramos jóvenes y no estábamos acostumbrados a ese tipo de televisión.

El tiempo pasó y la serie llegó a su conclusión. Gracias a África pude ir conociendo las bondades de esta serie que, según ella, no decaía en ningún momento. Ahora, gracias a los canales de pago y a la buena acogida que, en general, están teniendo las series americanas (¡Cuánto nos queda por aprender en España!), es común poder encontrar en los grandes almacenes decenas de series con muy buenas ediciones. Gracias al DVD, podemos prescindir de los horarios que nos obligaban a enchufar la tele a determinada hora y podemos disfrutar del audio original, algo que tampoco se lleva mucho por aquí, por desgracia. La verdad es que la cadena HBO ha producido un montón de series muy novedosas y con grandes talentos. "Los Soprano", "Deadwood", "Roma" etc. Además, otras plataformas también se están lanzando al mercado de la televisión, que ha dejado de ser el último recurso de las estrellas de cine para convertirse en algo que les eleva su categoría. "Nip/Tuck", "Me llamo Earl" también son grandes series. Tampoco podemos olvidarnos de los fenómenos de "Perdidos", "Héroes" y "House". La televisión vive una edad dorada y deberíamos aprovecharla.

Así que, con el verano por delante y las ganas de no perderme tan excitante espectáculo, me lancé a la visión, en versión original por supuesto, de la vida (y la muerte) de los Fisher. El primer capítulo comienza con la muerte de Nathaniel Fisher (Richard Jenkins) el día de Nochebuena. Ese comienzo es genial. Y, a partir de esa muerte, nos presentan a los demás miembros de su familia. Su mujer, Ruth (Frances Conroy) y sus hijos Nate (Peter Krause), David (Michael C. Hall, ahora triunfando en "Dexter") y Claire (Lauren Ambrose). Todos los capítulos, excepto contadas ocasiones, comienzan con la muerte de alguien y, a través de su funeral en casa de los Fisher, podemos asistir al desarrollo de la trama principal. Tembién conoceremos al novio de David, un policia llamado Keith (Matthew St. Patrick) y a Brenda (Rachel Griffiths), una peculiar mujer que conoce Nate en su viaje hacia California para pasar las navidades con su familia. La serie cuenta con momentos de gran dramatismo y de humor destornillante. Cierto aura de surrealismo envuelve el relato, pero no desentona en absoluto, sino que ayuda a crear esa atmósfera tan especial que posee. De hecho, el padre, Nathaniel, se aparece continuamente a su familia, hablando con ellos. Que un personaje muera en la serie no significa necesariamente que tenga que dejar de aparecer. No os la voy a destripar ni nada por el estilo, simplemente os recomiendo encarecidamente su visionado. Pese a que la temporada III es un poco floja y la IV tarda en arrancar, la V es magistral. Cuenta, además, con la gran baza de su espléndido último capítulo, "Todos te están esperando", en el que Alan Ball pone un broche de oro (y platino) a la que es para mí hoy en día, la mejor serie de la historia de la televisión.

Recordad que cada día que pasamos sobre tierra es un regalo.

Para África y Tzeentzy, por mostrarme este mundo.

Dream Theater Part I

Dream Theater, 2007. De izquierda a derecha: John Myung (Bajo); John Petrucci (Guitarra); James LaBrie (Voz); Jordan Rudess (Teclados); Mike Portnoy (Batería).

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Voy a hablar de uno de mis grupos favoritos, por no decir MI grupo favorito. Merece la pena acercarse a ellos, de verdad.
Dream Theater es una banda de metal progresivo, fundada por tres estudiantes de Berklee en 1985. En sus más de veinte años de historia, se ha convertido en una de las bandas de metal progresivo comercialmente más exitosas después de la época de oro del rock progresivo, a mediados de los 70.
La banda es bien conocida por la capacidad técnica de cada instrumentista, y ha recibido numerosos premios de revistas especializadas. Los músicos son altamente respetados por muchos de los nombres más grandes del rock y del metal, lo que ha propiciado colaboraciones entre los miembros de Dream Theater y muchos otros músicos bastante famosos.
Dream Theater también es notable por su versatilidad musical y los muchos géneros diferentes que su propia música incorpora, lo que ha hecho posible para ellos realizar espectáculos muy variados.
Como ya dije antes, Dream Theater se fundó en Septiembre de 1985. La formación inicial contaba con el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el batería Mike Portnoy, Kevin Moore en los teclados y el vocalista Chris Collins.
El nombre de la banda proviene de un teatro en la ciudad natal de Mike Portnoy llamado así. El padre de Portnoy sugirió bautizar al grupo de esta manera después de que tuvieran algunos problemas legales con el nombre original del grupo, Majesty.
En Noviembre de 1986, después de algunos meses escribiendo y tocando juntos, Chris Collins dejó la banda por diferencias creativas con los otros miembros. Después de un año intentando encontrar un reemplazo, Charlie Dominici, quien era mucho mayor y más experimentado que cualquiera en la banda, superó la audición para entrar en el grupo.
En 1988 Dream Theater firmó su primer contrato de grabación.
En 1989 lanzaron su primer álbum, When Dream and Day Unite, con Charlie Dominici como vocalista. Temas a destacar de este disco son A Fortune in Lies, la instrumental The Ytse Jam y Only a Matter of Time.
Dos años más tarde, se unió el vocalista canadiense James LaBrie. En 1992 lanzaron su segundo álbum Images and Words, que les catapultó a la fama debido a la gran acogida del público japonés (siempre muy implicado con la banda) y a la emisión en la cadena MTV del videoclip promocional de Pull me Under. Algunos temas destacados en este disco son Learning to Live, Surrounded y Metropolis part 1: The Miracle and the Sleeper. Como curiosidad cabe señalar que en el momento de grabar Metropolis la banda la nombró como "parte 1" a manera de chiste, pero tuvo una gran recepción por parte de los fans, quienes no paraban de preguntar por la segunda parte, que no llegó hasta 1999.

En 1993 la banda grabó el directo Live at the Marquee, primer álbum en directo de la banda, grabado en el Marquee club de Londres.
En 1994 salió Awake, álbum en el que la banda experimenta con un sonido algo más fuerte con respecto a los anteriores y que es considerado por muchos como uno de los mejores discos de Dream Theater. Creo que es el mejor trabajo del vocalista James LaBrie. Temas a destacar de este disco son el ciclo A Mind Beside Itself formado por Erotomania, Voices y The Silent Man; Lifting Shadows Off a Dream, la extraña Space-Dye Vest, compuesta por Kevin Moore y The Mirror uno de los temas más pesados de la banda. En esta época, Kevin Moore dejó la banda por diferencias musicales con sus compañeros, y sería sustituido por Derek Sherinian.
En 1995 la banda grabó A Change of Seasons, lanzado en Estados Unidos como EP, con algo menos de una hora de música. Esta grabación contiene la canción homónima de 23 minutos que la banda por razones comerciales no pudo incluir en Images and Words y algunas versiones.
Hubo algunos cambios en la directiva de la discográfica. Como resultado, los nuevos mandamases de la compañía, al no estar acostumbrados a la relación que Dream Theater tenía previamente con ésta, presionaron a la banda para escribir un álbum que fuese accesible a las personas más allá de su base de fans de metal progresivo.
En 1997 se publicó Falling into Infinity, álbum de tinte más comercial que refleja las presiones a las que la banda estaba siendo sometida por la discográfica, y por la cual la banda estuvo a punto de romperse (mención aparte merecen los cortes de pelo de LaBrie, Petrucci y Portnoy, junto con las mechas de este último). Los temas You Not Me y Hollow Years, los que la discográfica deseaba lanzar como sencillos, no lograron cuajar. A pesar de todo, el álbum contiene buenas canciones como Peruvian Skies.
En esta época Mike Portnoy y John Petrucci participaron en el proyecto Liquid Tension Experiment, durante el cual mantuvieron conversaciones con el teclista Jordan Rudess, a quién lograron convertir en el nuevo teclista de la banda, aportando su enorme creatividad y estilo propio a la formación. El proyecto instrumental, que también contaba con el bajista Tony Levin, dejó de tener sentido cuando Rudess ingresó en el grupo. Sacaron dos álbumes.
En 1999 la banda lanzó Metropolis, Pt. 2: Scenes From A Memory, disco que fue considerado por la crítica como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy es el trabajo del que está "más orgulloso". Es un disco conceptual dividido en dos actos y nueve escenas. Para mí, el mejor álbum del grupo. Imposible destacar algún tema.
Una gira mundial masiva fue lo siguiente, con más de un año de duración, y presentándose en más países de los que habían visitado jamás. Los conciertos, más largos e impactantes, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaban Scenes From a Memory de principio a fin, con una pantalla de vídeo tras la banda que mostraba imágenes que acompañaban la narración de la historia del álbum.
La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo Live Scenes From New York (3 CD). Anteriormente, Dream Theater había utilizado en la carátula de Live at the Marquee un corazón en llamas. Para hacer referencia al lugar del concierto, la carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino, incluido el World Trade Center, en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una escalofriante coincidencia con los tristemente célebres ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas. Aquí la teneis.

En 2002 se lanza Six Degrees of Inner Turbulence, disco que marca el comienzo de una nueva etapa en la banda en lo que al aspecto musical se refiere. Este álbum contiene 2 CDs; el primero de ellos con canciones como The Glass Prison, con una línea musical similar a Metallica en ...And Justice For All y Misunderstood, un tema de corte psicodélico. El segundo CD contiene la obra conceptual Six Degrees of Inner Turbulence de 42 minutos de duración que trata acerca de las perturbaciones de la mente humana, tales como la depresión y la locura. Para muchos fans, entre los que me incluyo, el segundo CD es uno de los más destacados trabajos de la banda.
En 2003 llegó Train of Thought, con un sonido mucho más pesado que el de los trabajos anteriores de la banda, pero sin alejarse de su virtuosismo característico. Temas destacables de este trabajo son This Dying Soul, Endless Sacrifice y el doble tema instrumental formado por Vacant y Stream of Consciousness (éste último alabado por el Barón de Moselle).
En 2005 se publicó Octavarium, octavo disco en estudio de la banda, que incluye 8 temas. En él la banda toma un estilo mucho menos instrumental, realzando la composición de las letras. El sonido del disco es bastante "pesado", pero no tanto como Train Of Thought. El estilo de las canciones es bastante variado; desde baladas como The Answer Lies Within hasta canciones con un estilo quizá más cercano al anterior trabajo como Panic Attack. Destaca el recuerdo de la banda a las víctimas del 11 de septiembre con Sacrificed Sons y la fantástica composición de la canción que da título al disco, con 24 minutos de duración.
En 2006 la banda lanzó el trabajo en directo SCORE, grabado el 1 de abril de ese mismo año en el Radio City Music Hall de Nueva York. Es un álbum conmemorativo del vigésimo aniversario de la banda, editado en formato de doble DVD y triple CD. En el concierto la banda compartió escenario por primera vez con una orquesta sinfónica completa para la interpretación de más de 90 minutos de música.
2007 es el año de Systematic Chaos, el cual contiene temas muy variados, que van desde los sonidos pesados del álbum Train of Thought en The Dark Eternal Night hasta metal sinfónico como The Ministry of the Lost Souls, y por último el tema de larga duración, In the Presence of the Enemies, divido en 2 partes (en realidad, la primera y la última canción del disco).
En abril del 2008 , se lanza un disco recopilatorio de 21 canciones llamado Greatest Hit (...and 21 other pretty cool songs). Éste contiene un lado oscuro o "The Dark Side" que contiene las canciones más metaleras o pesadas y un "The Light Side" que trae las canciones más melódicas.
Y para que veáis cómo se las gastan estos muchachos, os pongo el clip de la canción “The Dark Eternal Night”. Dream Theater en estado puro.
http://www.youtube.com/watch?v=EkF4JD2rO3Q

Kelo's Blues Band

Ayer me acerqué a Alcalá de Henares para ver, en el Standard Bar a esta formación. Es un grupo de cinco chavales, que tocan una música bastante heterogénea, pero todo dentro del rollo blues, rock, jazz. Pese a lo reducido de las dimensiones del local, les vi bastante seguros sobre el escenario, consiguiendo una claridad de sonido bastante aceptable. Todos los instrumentos se oían bastante bien, con la única excepción de las voces, demasiado enmascaradas.

Si os fijais en la foto del encabezado, os los presentaré (aunque conozca personalmente sólo a dos de ellos). Bien, vamos de izquierda a derecha:

- Rudy: Guitarra solista y voz.

- Michael (Kelo): Batería.

- Iván: Bajo.

- Ricky: Teclados y voz.

- Marta: Guitarra y coros.

Por desgracia, no os puedo poner ningún clip de audio porque no tienen nada grabado, aunque podréis volver a disfrutar de ellos el próximo sábado, 5 de Abril de 2008 en La Traviesa, C.C. el Val (junto a los cines), Alcalá de Henares (Madrid). Lo de la hora... ya no sabría deciros.

Os dejo la dirección de su blog: http://kelosbluesband.blogspot.com/ De todas maneras, estamos negociando un acuerdo publicitario mutuo. Ya veremos.