Lo mejor de 2008

Películas favoritas de “Cinemanía”:

10- Rebobine, por favor.
9- No es país para viejos.
8- En el valle de Elah.
7- Escondidos en Brujas.
6- Pozos de ambición.
5- WALL·E.
4- Viaje a Darjeeling.
3- Antes que el Diablo sepa que has muerto.
2- 4 meses, 3 semanas y 2 días.
1-The Dark Knight.

Al darme cuenta de que no estaba totalmente de acuerdo con ello, me decidí por examinar mis experiencias y sacar mis propias conclusiones. Se parecen, pero hay diferencias importantes. Me gustaría resaltar alguna que otra película más, pero con 11 ya era suficiente.

Películas favoritas de Tempus (era difícil quedarme con 10).

11- Camino (Javier Fesser). Nunca me llamó mucho la atención Javier Fesser, pero con esta película me ha conquistado. Puede que peque de maniquea, que la fantasía chirríe en ciertas ocasiones, que su metraje juegue en su contra. Pero que alguien cite alguna película española que se asemeje a esta. Es muy novedosa y original. Además, el tema que trata resulta, desde mi punto de vista, muy atractivo. Y nadie podrá olvidarse de los ojos verdes de Nerea Camacho.

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10- Hellboy II: el Ejército Dorado (Hellboy II: the Golden Army, Guillermo del Toro). Porque el barroquismo que destila el mercado de los duendes es arrebatador. Porque la imaginación que le sobra a Del Toro le falta a muchísimos cineastas hoy en día. Por llevarnos a un mundo en el que los monstruos son los buenos (¡Cómo me gusta!) y en el que la fantasía es lo principal. Brillante la escena en la que Hellboy y Abe Sapien, enamorados, ahogan sus penas en alcohol, cantando a dúo. Me muerdo la uñas por ver lo que hará con “El Hobbit”… ¿vosotros no?

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9- Los cronocrímenes (Nacho Vigalondo). Hay que seguir atentamente a este hombre. Vigalondo nos cuenta, con muchísima imaginación, una historia de ciencia ficción (sí, habéis leído bien, en una peli española) en la cual un hombre deberá cuidarse… de sí mismo. Me recordó al debut de Álex de la Iglesia. Las vendas rosas y las tijeras nos permiten reconocer a un personaje icónico, patético y muy humano. A ver si el propio Nacho Vigalondo, que sale en la cinta como actor, se paga algunos cursos de interpretación. Ojalá siga sorprendiéndonos.

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8- El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, James Mangold). Vaya par de monstruos enfrentándose: Bale y Crowe. Bueno y malo… ¿Malo? No queda tan claro según avanza la cinta. El mero hecho de verles compartiendo plano y enseñándose lecciones el uno al otro merece el precio de la entrada. Al final, en ese tren al que deberá subir Crowe, viajarán muchos matices de ambos pistoleros, que se respetan y se admiran. Pero es que, además, la historia engancha desde el principio y, personalmente, me encanta el personaje que construye Russell Crowe, un “malo” con carisma y magnetismo. ¡¡¡Y ese duelo final!!!

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7- Michael Clayton (Michael Clayton, Tony Gilroy). Todos deberíamos agradecer a alguien como George Clooney, que lo tiene todo para triunfar con películas que exploten su (atractiva) imagen, que se embarque en proyectos como este. Denuncia social, thriller complejo y absorbente, cámara al hombro, pocas explicaciones, interpretaciones ajustadas y contenidas. Pocas veces (quizá con Syriana me sucedió también) he deseado tanto ver de nuevo la cinta para captar todos y cada uno de los matices que me ofrecía. ¿Qué tipo de persona eres?

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6- Pozos de ambición (There will be blood, Paul Thomas Anderson). Daniel Day-Lewis. Sin palabras. Excesivo. Estremece, asusta y, en ocasiones, rezuma patetismo por toda su piel. Lo de P. T. Anderson es para analizar aparte. Tras Boogie Nights y Magnolia, nos entrega este melodrama que nunca aburre, no se hace largo y, además, nos plantea una reflexión acerca de la naturaleza del bien y del mal que deja un poso de inquietud al salir de la sala. “¡Soy un pecador!”

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5- No es país para viejos (No country for old men, Joel & Ethan Coen). Ya era hora de que unos cineastas tan especiales y necesarios como los hermanos Coen gozaran del reconocimiento que se merecían. Está claro que todo el pesimismo que destila esta película nos hará sentirnos mal y que el final (sin luz) que nos muestra Tommy Lee Jones dejará frío a más de uno, pero… ¡qué bien me sentó ver algo así en el cine! Oscar para Bardem, por si alguien no lo sabía.

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4- Antes que el Diablo sepa que has muerto (Before the Devil knows you're dead, Sydney Lumet). Os recuerdo que el director tiene 83 años. Esta historia de perdedores sin principios y sin moral es toda una lección de cine. El casting de esta película es el mejor del año. Todos están perfectos. Dos hermanos planean (más bien uno convence al otro), para salir de sus respectivos apuros económicos, atracar la joyería de sus propios padres. ¿Saldrá algo bien? Me creo todo lo que sucede en la película, y eso es decir mucho.

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3- WALL·E (WALL·E, Andrew Stanton). ¿Hay alguna persona que no se enternezca al contemplar a ese entrañable robot? ¿Cómo son capaces de dotar de tanta sensibilidad a un personaje generado por ordenador? Pixar va cada vez más lejos. Aunque para mí “Ratatouille” sigue siendo su mejor película, la primera media hora de WALL·E, sin diálogos, es brillante.

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2-4 meses, 3 semanas y 2 días (4 luni, 3 saptamâni si 2 zile, Cristian Mungiu) . Por su veracidad, su capacidad de estremecernos con sus diálogos y (sobre todo) sus silencios. Es un puñetazo de puro cine a la boca del estómago. Porque el director no juzga los hechos, simplemente nos los muestra. Ese plano del feto… ¿necesario? No sé, pero es imposible quitárselo de la cabeza. Y esa mirada a cámara… impagable. Si quereis saber más, os recuerdo que en este mismo blog hay un análisis mucho más en profundidad de esta imprescindible obra maestra http://amseriad.blogspot.com/2008/10/4-meses-3-semanas-y-2-das.html

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1- El Caballero Oscuro (The Dark Knight, Christopher Nolan). Porque Cristian Bale mola. Porque Chrsitopher Nolan mola mucho. Y porque Heath Ledger crea, a mi juicio y a costa de resultar repetitivo, un personaje antológico. Su Joker es lo mejor de la película y de lo mejor del año. La película nos entrega la espectacularidad que este tipo de cintas demanda y la combina con una inmersión en la mente de un Batman (cuyo nombre desaparece del título) tan humano que asusta, llevándolo al límite. Y claro que hay un caballero blanco en Gotham... Además, es la película “de superhéroes” que más me ha gustado.

4 Meses, 3 Semanas y 2 Días

Yo siempre me he manifestado a favor del aborto. En esta película, el director nunca toma partido. Simple y llanamente nos muestra sin adornos los terribles acontecimientos que estas dos estudiantes (maravillosamente interpretadas por Anamaria Marinca y Laura Vasiliu) se ven obligadas a vivir. Durante la historia, su amistad se verá puesta a prueba. Una de ellas pide ayuda a la otra para realizar un aborto clandestino. La película comienza y acaba en el mismo día, el día señalado para pasar ese mal trago en una habitación de hotel cuyas amarillentas paredes rezuman agonía. Los monstruos se encuentran entre nosotros. Cuando el miedo nos acompaña a cada paso que damos, una simple recepcionista nos aterra. Un poco más de hora y media de metraje. Ni un segundo de respiro, la angustia en su máxima expresión. No lo pasareis bien viéndola, pero nunca el cine me pareció más puro ni más necesario y evocador. Y qué decir de ese plano final que calificaría de genial. Una obra maestra con mayúsculas. Esta película ya ha pasado a formar parte de mis 10 películas favoritas. Por lo que cuenta y por cómo lo cuenta. Os la recomiendo encarecidamente.

Cristian Mungiu, director, guionista y productor, nació en 1968 en Lasi, Rumanía. Estudió Literatura Inglesa en la Universidad de Lasi y, posteriormente, Dirección Cinematográfica en la Facultad de Cine de Bucarest. Según sus propias palabras: Antes de empezar a rodar, hablé con Oleg Mutu, mi socio y director de fotografía, para saber qué estilo sería mejor para la película. Decidimos inclinarnos por la sobriedad y desechar todo lo que pudiera parecer ensayado o convencional. No usamos trípode, pero tampoco una steadicam. No usamos travellings ni grúas. Decidimos rodar cada escena con una sola toma y permitir al actor que usara el espacio detrás de la cámara. Nunca hicimos panorámicas ni inclinamos la cámara para ver la cara de un actor. Hay diálogos hablados fuera del encuadre o con actores con la cabeza fuera del plano. Decidimos rodar a los actores de espaldas si era necesario. Poco a poco, abandonamos todo lo que podía considerarse demasiado bonito, demasiado ensayado, incluso la maravillosa nieve que cae al final de la última toma. Intentamos concentrarnos en capturar la emoción y la verdad.
A veces el encuadre es de unas piernas, incluso de un personaje que ni siquiera está hablando. Hay una secuencia angustiosa que trascurre en la calle, de noche. Se oyen los perros ladrar y apenas hay luz por las aceras, una de las protagonistas recorre un incierto trayecto en el que ella misma desconoce su destino. Os aseguro que pocas veces he sentido tanto malestar ante una pantalla de cine. La veracidad se palpa, se nota, se huele. Y eso, dentro del contexto de la terrible historia que nos cuenta, ayuda a convertirla, casi, en una película de terror. Según el crítico de “El País”, Carlos Boyero: Esta película tan austera como sugerente, tan veraz como tenebrosa, tan realista como crítica, tiene en muchos momentos el aire de una pesadilla, el aroma del cine de terror. No hay asesinatos en ella, ni sustos, ni golpes de efecto, aunque la imagen de una mujer frenética que va buscando ayuda en la noche, chapoteando en esas calles embarradas y rodeadas de perros sin dueño, inspira el desasosiego, el suspense, el mal rollo y el pavor que caracterizan al género del estremecimiento.

4 Meses, 3 Semanas y 2 Días forma parte de un proyecto más amplio titulado “Relatos de la edad de oro”, una historia subjetiva del comunismo en Rumanía contada mediante su leyenda urbana. Rumanía estuvo sumida en una dictadura comunista durante 24 años (desde 1965 hasta 1989), bajo el puño de hierro de Nicolae Ceauşescu. El objetivo del proyecto es hablar de aquel periodo sin hacer referencias directas al comunismo, contando diferentes historias que enfoquen opciones personales en una era de infortunio en la que la gente tuvo que vivir como si fueran tiempos normales. Veremos qué más nos pueden ofrecer los cineastas rumanos, pero si son como Mungiu, bienvenidos sean.

Ganó la Palma de Oro de Cannes y los premios de la Academia del Cine Europeo a la mejor película y al mejor director en 2007. Incomprensiblemente, no consiguió el Oscar.

Six Feet Under

Antes de que comenzara el verano me propuse un objetivo. Siguiendo los consejos y recomendaciones de dos buenos amigos, Tzeentzy y África, adquirí las cinco temporadas de la serie "A dos metro bajo tierra", "Six Feet Under" en el idioma original, que estaban en las tiendas. Me costaron 20 € la primera y la segunda, más 30 € de la tercera y la quinta. La cuarta fue la más cara, ya que pagué 40 € por ella. En total suman 140 € de televisión pura.

La serie la escribió Alan Ball (ganador del Oscar por el brillante e inteligentísimo guión de "American Beauty" en 1999) a petición de una directivo de la cadena HBO. Corría el año 2001 cuando sucedió. En España nos llegó a La 2 los jueves p0r la noche. Debe ser que en ese momento estaban cortos de ideas porque compraron dos series americanas para emitirlas seguidas. la otra fue "Las chicas Gilmore" (sic). Tzeentzy grabó el capítulo piloto y luego me invitó a verlo al día siguiente. Flipé. En serio. No estaba acostumbrado a ver algo así en televisión. Y además... era una serie. Por desgracia, me resultaba muy difícil seguir su desarrollo debido a las altas horas que era emitida y perdí el hilo rápidamente. Afortunadamente, me dejaron la primera temporada que me vi rápidamente. Me encantó, pero a su vez hizo que me saturara. Éramos jóvenes y no estábamos acostumbrados a ese tipo de televisión.

El tiempo pasó y la serie llegó a su conclusión. Gracias a África pude ir conociendo las bondades de esta serie que, según ella, no decaía en ningún momento. Ahora, gracias a los canales de pago y a la buena acogida que, en general, están teniendo las series americanas (¡Cuánto nos queda por aprender en España!), es común poder encontrar en los grandes almacenes decenas de series con muy buenas ediciones. Gracias al DVD, podemos prescindir de los horarios que nos obligaban a enchufar la tele a determinada hora y podemos disfrutar del audio original, algo que tampoco se lleva mucho por aquí, por desgracia. La verdad es que la cadena HBO ha producido un montón de series muy novedosas y con grandes talentos. "Los Soprano", "Deadwood", "Roma" etc. Además, otras plataformas también se están lanzando al mercado de la televisión, que ha dejado de ser el último recurso de las estrellas de cine para convertirse en algo que les eleva su categoría. "Nip/Tuck", "Me llamo Earl" también son grandes series. Tampoco podemos olvidarnos de los fenómenos de "Perdidos", "Héroes" y "House". La televisión vive una edad dorada y deberíamos aprovecharla.

Así que, con el verano por delante y las ganas de no perderme tan excitante espectáculo, me lancé a la visión, en versión original por supuesto, de la vida (y la muerte) de los Fisher. El primer capítulo comienza con la muerte de Nathaniel Fisher (Richard Jenkins) el día de Nochebuena. Ese comienzo es genial. Y, a partir de esa muerte, nos presentan a los demás miembros de su familia. Su mujer, Ruth (Frances Conroy) y sus hijos Nate (Peter Krause), David (Michael C. Hall, ahora triunfando en "Dexter") y Claire (Lauren Ambrose). Todos los capítulos, excepto contadas ocasiones, comienzan con la muerte de alguien y, a través de su funeral en casa de los Fisher, podemos asistir al desarrollo de la trama principal. Tembién conoceremos al novio de David, un policia llamado Keith (Matthew St. Patrick) y a Brenda (Rachel Griffiths), una peculiar mujer que conoce Nate en su viaje hacia California para pasar las navidades con su familia. La serie cuenta con momentos de gran dramatismo y de humor destornillante. Cierto aura de surrealismo envuelve el relato, pero no desentona en absoluto, sino que ayuda a crear esa atmósfera tan especial que posee. De hecho, el padre, Nathaniel, se aparece continuamente a su familia, hablando con ellos. Que un personaje muera en la serie no significa necesariamente que tenga que dejar de aparecer. No os la voy a destripar ni nada por el estilo, simplemente os recomiendo encarecidamente su visionado. Pese a que la temporada III es un poco floja y la IV tarda en arrancar, la V es magistral. Cuenta, además, con la gran baza de su espléndido último capítulo, "Todos te están esperando", en el que Alan Ball pone un broche de oro (y platino) a la que es para mí hoy en día, la mejor serie de la historia de la televisión.

Recordad que cada día que pasamos sobre tierra es un regalo.

Para África y Tzeentzy, por mostrarme este mundo.

San Andrés de Teixido

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Cruceiro sobre San Andrés de Teixido, (verano, 2008).

Hace ya un año que me hablaron de este lugar, del que dicen que “va de muerto el que no fue de vivo”. En esa publicación narré los hechos que ahora transcribo literalmente: Dice la leyenda que cuando andaban Cristo y San Pedro por el mundo, pasaron por aquí y hallaron a San Andrés dentro de una manzana que comía San Pedro.

El apóstol, que también había arribado a Teixido en una barca de piedra, quejábase de lo abandonado que estaba su culto en relación con el de Santiago, pero Cristo lo consoló diciéndole: “No te preocupes, Andrés, pues aquel que no venga de vivo una, ha de venir de muerto tres”.

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Vista de San Andrés desde el Cruceiro.

Fue suficiente para querer viajar a este centro de peregrinación que situaré por detrás de Jerusalén, Roma, Santiago de Compostela y Canterbury. Dicen que puedes ayudar a tus difuntos a llegar a este lugar, y en época de peregrinación has de acudir a sus lápidas y golpearlas para invocar sus espíritus. En tu viaje te acompañarán, y será de mala educación no dirigirles la palabra o contar con ellos a la hora de comer. Pero si nadie se ocupara de ti, vagarás hacia San Andrés, y tu alma viajará sola, en una penitencia que se repetirá por tres veces.

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San Andrés.

La iglesia de San Andrés tiene su origen en un monasterio del siglo XII, y fue cedida, en 1196 AD., a la Orden de San Juán de Jerusalén, fundada en el s. XI en Jerusalén, cuya regla se confirmó en 1113 AD., y que posteriormente se conocería como Orden de Malta. Posteriormente el templo fue traspasado a la familia de los Andrade de Galicia.

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Iglesia de San Andrés.

Los caminos del lugar están custodiados por milladoiros alimentados por las piedras que aporta cada peregrino, que servirán como testigos de su visita cuando acontezca el Juicio Final, y una vez visitado al santo, debes bajar a la fuente y arrojar en ella una migaja de pan, por ver si tus plegarias serán escuchadas. Si aquella flota, entonces se cumplirán. Aunque parece que actualmente los peregrinos prefieren atar trozos de papel y bolsas de plásticos en las alambradas que están en el camino que conduce a los acantilados.

Ya de vuelta los caminantes podrán regresar con el ramo de San Andrés, formado por una vara de avellano, ramitas de teixo y herba namoradeira; o en su defecto, con algunas rosquillas.

Adieu, verano.

Heavy Beauty: Simone Simons

Seguramente muy pocos conozcáis a la chica cuya foto encabeza este post. Y su nombre tampoco os sonará de nada. Pues os hablaré de ella. Ya está bien del tópico de la música heavy. No todos los grupos los componen tíos melenudos o con greñas, fotografiados siempre con una cerveza en la mano. Si recordáis la publicación de este mismo blog sobre Dream Theater, también hay músicos con estilo en este mundillo. Y también hay chicas, desde luego. Pero pocas tan guapas como Simone. Esta chica tiene 23 años (nació el 17 de Enero de 1985 en Holanda) y actualmente es la vocalista del grupo de metal melódico “Epica”. Si eso, algún día de estos pondré alguna foto y contaré más cosas de los otros cinco componentes de esta banda, pero ahora mismo estoy de vacaciones y no me pilla muy bien… El caso es que ella se unió a Epica en 2002, cuando contaba con tan sólo 17 añitos. Por aquel entonces mantenía una relación sentimental (o más bien un rollo, por la edad) con el guitarrista del grupo Mark Jansen (que tonto, desde luego, no parece). Desde el 2006 sale con el teclista de Kamelot, “Pelo Gamuza”. Simone ha estado en contacto con la música desde los 9 años. Su primer instrumento, durante un año, fue la flauta (sic), después recibió clases de canto jazz/pop que terminaron por aburrirla y dejó de practicar. A los 15 años escuchó el álbum Oceanborn de Nightwish, quedando fascinada con el estilo del grupo, y decidió, a los 16, estudiar canto clásico. Cantó durante dos meses en un coro, hasta que entró a formar parte de Epica. Con ella en sus filas, han publicado tres álbumes: The Phantom Agony, Consign to Oblivion y The Divine Conspiracy. Suenan bastante bien, pero nunca me acostumbraré a los berridos guturales del colega Jansen (ya te vale, tronco).
Simone Simons posee un registro de mezzosoprano con un matiz muy raro, un color muy tenue y agudos finamente reforzados, típicos de una técnica sfogata. Su registro es de Fa2 a Si5. Así que no quiero oir los típicos comentarios de"tía buena que no sabe hacer nada". No hay que dejarse embelesar por su esplendorosa melena ni por sus hechizantes ojos azules...La belleza y juventud de Simons es un gran reclamo para revistas, prensa y televisión. La anterior cantante de Epica (cuando aún la formación se llamaba Sahara Dust), Helena Michaelsen, fue portada de la revista Penthouse en Grecia. Sin embargo, Simons asegura que la han pedido ya "que saliera en la Playboy holandesa, pero dije que no. No me vendo a nadie. Se trata de algo privado, no es algo que deba ver todo el mundo. Mi forma de cantar también es muy íntima; no voy más allá de eso.”
Entre sus cantantes favoritos se encuentra Khan (Kamelot), Björk, Lisa Gerrard y Anastacia. Y entre sus películas favoritas destacan Sleepy Hollow, Willow, La naranja mecánica, Memento, Fight Club, El silencio de los corderos y El nombre de la rosa.

Y aquí os dejo os dejo una muestra del buen hacer de Simone... y de los otros. Espero que os guste

-Never Enough, de su disco "The Divine Conspiracy" http://www.youtube.com/watch?v=FfLtA8SkmVw

-Quietus, de su disco "The Phantom Agony" http://www.youtube.com/watch?v=p3FELocOtu0

-The Phantom Agony, del disco del mismo título http://www.youtube.com/watch?v=4aLwkFInSgw

-Solitaru Ground, de su disco "Consign to Oblivion" http://www.youtube.com/watch?v=vdBKnsDkDGs

Dream Theater Part I

Dream Theater, 2007. De izquierda a derecha: John Myung (Bajo); John Petrucci (Guitarra); James LaBrie (Voz); Jordan Rudess (Teclados); Mike Portnoy (Batería).

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Voy a hablar de uno de mis grupos favoritos, por no decir MI grupo favorito. Merece la pena acercarse a ellos, de verdad.
Dream Theater es una banda de metal progresivo, fundada por tres estudiantes de Berklee en 1985. En sus más de veinte años de historia, se ha convertido en una de las bandas de metal progresivo comercialmente más exitosas después de la época de oro del rock progresivo, a mediados de los 70.
La banda es bien conocida por la capacidad técnica de cada instrumentista, y ha recibido numerosos premios de revistas especializadas. Los músicos son altamente respetados por muchos de los nombres más grandes del rock y del metal, lo que ha propiciado colaboraciones entre los miembros de Dream Theater y muchos otros músicos bastante famosos.
Dream Theater también es notable por su versatilidad musical y los muchos géneros diferentes que su propia música incorpora, lo que ha hecho posible para ellos realizar espectáculos muy variados.
Como ya dije antes, Dream Theater se fundó en Septiembre de 1985. La formación inicial contaba con el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el batería Mike Portnoy, Kevin Moore en los teclados y el vocalista Chris Collins.
El nombre de la banda proviene de un teatro en la ciudad natal de Mike Portnoy llamado así. El padre de Portnoy sugirió bautizar al grupo de esta manera después de que tuvieran algunos problemas legales con el nombre original del grupo, Majesty.
En Noviembre de 1986, después de algunos meses escribiendo y tocando juntos, Chris Collins dejó la banda por diferencias creativas con los otros miembros. Después de un año intentando encontrar un reemplazo, Charlie Dominici, quien era mucho mayor y más experimentado que cualquiera en la banda, superó la audición para entrar en el grupo.
En 1988 Dream Theater firmó su primer contrato de grabación.
En 1989 lanzaron su primer álbum, When Dream and Day Unite, con Charlie Dominici como vocalista. Temas a destacar de este disco son A Fortune in Lies, la instrumental The Ytse Jam y Only a Matter of Time.
Dos años más tarde, se unió el vocalista canadiense James LaBrie. En 1992 lanzaron su segundo álbum Images and Words, que les catapultó a la fama debido a la gran acogida del público japonés (siempre muy implicado con la banda) y a la emisión en la cadena MTV del videoclip promocional de Pull me Under. Algunos temas destacados en este disco son Learning to Live, Surrounded y Metropolis part 1: The Miracle and the Sleeper. Como curiosidad cabe señalar que en el momento de grabar Metropolis la banda la nombró como "parte 1" a manera de chiste, pero tuvo una gran recepción por parte de los fans, quienes no paraban de preguntar por la segunda parte, que no llegó hasta 1999.

En 1993 la banda grabó el directo Live at the Marquee, primer álbum en directo de la banda, grabado en el Marquee club de Londres.
En 1994 salió Awake, álbum en el que la banda experimenta con un sonido algo más fuerte con respecto a los anteriores y que es considerado por muchos como uno de los mejores discos de Dream Theater. Creo que es el mejor trabajo del vocalista James LaBrie. Temas a destacar de este disco son el ciclo A Mind Beside Itself formado por Erotomania, Voices y The Silent Man; Lifting Shadows Off a Dream, la extraña Space-Dye Vest, compuesta por Kevin Moore y The Mirror uno de los temas más pesados de la banda. En esta época, Kevin Moore dejó la banda por diferencias musicales con sus compañeros, y sería sustituido por Derek Sherinian.
En 1995 la banda grabó A Change of Seasons, lanzado en Estados Unidos como EP, con algo menos de una hora de música. Esta grabación contiene la canción homónima de 23 minutos que la banda por razones comerciales no pudo incluir en Images and Words y algunas versiones.
Hubo algunos cambios en la directiva de la discográfica. Como resultado, los nuevos mandamases de la compañía, al no estar acostumbrados a la relación que Dream Theater tenía previamente con ésta, presionaron a la banda para escribir un álbum que fuese accesible a las personas más allá de su base de fans de metal progresivo.
En 1997 se publicó Falling into Infinity, álbum de tinte más comercial que refleja las presiones a las que la banda estaba siendo sometida por la discográfica, y por la cual la banda estuvo a punto de romperse (mención aparte merecen los cortes de pelo de LaBrie, Petrucci y Portnoy, junto con las mechas de este último). Los temas You Not Me y Hollow Years, los que la discográfica deseaba lanzar como sencillos, no lograron cuajar. A pesar de todo, el álbum contiene buenas canciones como Peruvian Skies.
En esta época Mike Portnoy y John Petrucci participaron en el proyecto Liquid Tension Experiment, durante el cual mantuvieron conversaciones con el teclista Jordan Rudess, a quién lograron convertir en el nuevo teclista de la banda, aportando su enorme creatividad y estilo propio a la formación. El proyecto instrumental, que también contaba con el bajista Tony Levin, dejó de tener sentido cuando Rudess ingresó en el grupo. Sacaron dos álbumes.
En 1999 la banda lanzó Metropolis, Pt. 2: Scenes From A Memory, disco que fue considerado por la crítica como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy es el trabajo del que está "más orgulloso". Es un disco conceptual dividido en dos actos y nueve escenas. Para mí, el mejor álbum del grupo. Imposible destacar algún tema.
Una gira mundial masiva fue lo siguiente, con más de un año de duración, y presentándose en más países de los que habían visitado jamás. Los conciertos, más largos e impactantes, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaban Scenes From a Memory de principio a fin, con una pantalla de vídeo tras la banda que mostraba imágenes que acompañaban la narración de la historia del álbum.
La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo Live Scenes From New York (3 CD). Anteriormente, Dream Theater había utilizado en la carátula de Live at the Marquee un corazón en llamas. Para hacer referencia al lugar del concierto, la carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino, incluido el World Trade Center, en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una escalofriante coincidencia con los tristemente célebres ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas. Aquí la teneis.

En 2002 se lanza Six Degrees of Inner Turbulence, disco que marca el comienzo de una nueva etapa en la banda en lo que al aspecto musical se refiere. Este álbum contiene 2 CDs; el primero de ellos con canciones como The Glass Prison, con una línea musical similar a Metallica en ...And Justice For All y Misunderstood, un tema de corte psicodélico. El segundo CD contiene la obra conceptual Six Degrees of Inner Turbulence de 42 minutos de duración que trata acerca de las perturbaciones de la mente humana, tales como la depresión y la locura. Para muchos fans, entre los que me incluyo, el segundo CD es uno de los más destacados trabajos de la banda.
En 2003 llegó Train of Thought, con un sonido mucho más pesado que el de los trabajos anteriores de la banda, pero sin alejarse de su virtuosismo característico. Temas destacables de este trabajo son This Dying Soul, Endless Sacrifice y el doble tema instrumental formado por Vacant y Stream of Consciousness (éste último alabado por el Barón de Moselle).
En 2005 se publicó Octavarium, octavo disco en estudio de la banda, que incluye 8 temas. En él la banda toma un estilo mucho menos instrumental, realzando la composición de las letras. El sonido del disco es bastante "pesado", pero no tanto como Train Of Thought. El estilo de las canciones es bastante variado; desde baladas como The Answer Lies Within hasta canciones con un estilo quizá más cercano al anterior trabajo como Panic Attack. Destaca el recuerdo de la banda a las víctimas del 11 de septiembre con Sacrificed Sons y la fantástica composición de la canción que da título al disco, con 24 minutos de duración.
En 2006 la banda lanzó el trabajo en directo SCORE, grabado el 1 de abril de ese mismo año en el Radio City Music Hall de Nueva York. Es un álbum conmemorativo del vigésimo aniversario de la banda, editado en formato de doble DVD y triple CD. En el concierto la banda compartió escenario por primera vez con una orquesta sinfónica completa para la interpretación de más de 90 minutos de música.
2007 es el año de Systematic Chaos, el cual contiene temas muy variados, que van desde los sonidos pesados del álbum Train of Thought en The Dark Eternal Night hasta metal sinfónico como The Ministry of the Lost Souls, y por último el tema de larga duración, In the Presence of the Enemies, divido en 2 partes (en realidad, la primera y la última canción del disco).
En abril del 2008 , se lanza un disco recopilatorio de 21 canciones llamado Greatest Hit (...and 21 other pretty cool songs). Éste contiene un lado oscuro o "The Dark Side" que contiene las canciones más metaleras o pesadas y un "The Light Side" que trae las canciones más melódicas.
Y para que veáis cómo se las gastan estos muchachos, os pongo el clip de la canción “The Dark Eternal Night”. Dream Theater en estado puro.
http://www.youtube.com/watch?v=EkF4JD2rO3Q

Castell Y Bere

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Castell Y Bere, (Verano, 2005).

Castell Y Bere (del galés Castell: castillo; Bere: espolón de la colina) es una fortaleza al sur de Gwynedd. Para llegar, desde Conwy (ciudad al norte de Gales), puedes tomar la A470, sentido sur, hasta Llanelltyd, seguir por la A496 hacia el oeste y cruzar el río Mawddach y seguir por la A493 bordeando la costa hasta llegar a una carretera convencional pasado el pueblo de Rhoslefain. Si sigues la carretera convencional llegarás a la fortaleza, o lo que queda de ella.

Situado en la parte más oriental del valle Dysynni, sobre un promontorio rocoso, se localiza la fortaleza que Llewelyn ab Iorwerth construyó en 1221 AD, después de haber tomado posesión del cantref de Meirionnydd y de la commote adyacente de Ardudwy. Este castillo fue entonces un importante lugar estratégico que controlaba el paso desde la costa en Tywyn hasta Dolgellau, y protegía la frontera del sur de Gwynedd.

Antes de seguir sería bueno explicar lo que es un cantref y una commote. El cantref era una división medieval de tierra galesa, particularmente importante en la administración de sus leyes.

La tierra estaba dividida en cantrefs, que a su vez estaban divididos en pequeños cymydau (commotes). Se piensa que el cantref es la unidad original, siendo los commotes una división posterior. Los cantrefs pueden variar considerablemente en tamaño; la mayoría de ellos están divididos en dos o tres commotes, pero el mayor, el Cantref Mawr (Gran Cantref), en Ystrad Tywi (ahora en Carmarthenshire), estaba dividido en siete commotes. Para hacerse una idea del tamaño de un cantref, la isla de Anglesey estaba dividida en tres cantrefs: Cemais, Aberffraw y Rhosyr.

Cada cantref poseía su propia corte, que estaba constituida por la asamblea de los uchelwyr, los principales terratenientes del cantref. Esta asamblea estaba dominada por el rey, y la presidía si estaba presente en el cantref, o lo hacía su representante, si no lo estaba. A demás de jueces había un funcionario y un ujier. La corte del cantref trataba los crímenes, la determinación de los límites de tierras y los temas relacionadas con la herencia. La corte del commote se encargaba de muchas de las funciones de la corte del cantref, y en algunos lugares se llegó a conocer mucho mejor el nombre de las commotes que de los cantrefs de los que formaban parte.

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Doble foso, (Castell y bere, verano, 2005).

La fortaleza de Bere aprovechaba los diques de roca para obtener defensas naturales al norte y al oeste. Posee un doble foso custodiado por una torre redonda y una torre rectangular que debía contener a la guarnición. Una vez llegado al patio de armas nos encontramos con la cisterna del castillo, junto a la entrada. Un lugar que debieron aprovechar por la topografía del terreno y que les condicionó a situar el pozo de la fortaleza. El resto del patio estaría destinado a usos domésticos, como establos, porquerizas y granjas, en construcciones de madera anexionadas a los muros. Existen puertas de abruptas salidas que comunicaban al exterior, que debían de ser salidas de emergencia.

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Pozo, (Castell y bere, verano, 2005).

La torre norte posee la típica planta galesa en forma de D. Se especula que esta torre tendría dos plantas (por las referencias a otras fortalezas, como Dolwyddelan, lugar donde nació Llewelyn), en cuya planta superior se situaría la capilla, donde se han encontrado piedras con hermosos grabados. Sin embargo el pilar circular situado en la mitad de la estancia podría servir como sostén a una chimenea en la planta superior, algo que en las construcciones galesas se repite, y que podría advertir del uso de la habitación como salón más que como capilla, si bien podría albergar un pequeño recinto destinado a la misas en la planta baja.

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La Torre Norte, (Castell y bere, verano, 2005).

La torre sur, con la misma forma en planta, posee tres troneras donde los arqueros de la verdadera Gales podrían disparar a sus enemigos ingleses, galeses o anglonormandos. Se piensa que esta torre fue construida por el nieto de Llewelyn, llamado Llewelyn ap Gruffudd.

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La Torre Sur, (Castell y bere, verano, 2005).

La fortaleza fue conquistada por Edward I, rey de Inglaterra, en 1283 AD. Como no poseía ningún valor estratégico para él, utilizó el castillo como cantera para la construcción de los castillos de Caernarfon, Conwy y Harlech. Hoy sólo queda la sombra de su majestad.

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Placas de Cadw (organismo dedicado a la conservación y mantenimiento de los castillos de Gales, significa: preservar), (Castell y bere, verano, 2007).

Kelo's Blues Band

Ayer me acerqué a Alcalá de Henares para ver, en el Standard Bar a esta formación. Es un grupo de cinco chavales, que tocan una música bastante heterogénea, pero todo dentro del rollo blues, rock, jazz. Pese a lo reducido de las dimensiones del local, les vi bastante seguros sobre el escenario, consiguiendo una claridad de sonido bastante aceptable. Todos los instrumentos se oían bastante bien, con la única excepción de las voces, demasiado enmascaradas.

Si os fijais en la foto del encabezado, os los presentaré (aunque conozca personalmente sólo a dos de ellos). Bien, vamos de izquierda a derecha:

- Rudy: Guitarra solista y voz.

- Michael (Kelo): Batería.

- Iván: Bajo.

- Ricky: Teclados y voz.

- Marta: Guitarra y coros.

Por desgracia, no os puedo poner ningún clip de audio porque no tienen nada grabado, aunque podréis volver a disfrutar de ellos el próximo sábado, 5 de Abril de 2008 en La Traviesa, C.C. el Val (junto a los cines), Alcalá de Henares (Madrid). Lo de la hora... ya no sabría deciros.

Os dejo la dirección de su blog: http://kelosbluesband.blogspot.com/ De todas maneras, estamos negociando un acuerdo publicitario mutuo. Ya veremos.

Terror: Remakes

Me gustaría volver a tratar un tema relacionado con el cine, esta vez con el cine de terror y, más concretamente, con los remakes de las pelis de terror antiguas. Y como hay que seguir un orden, pues me decanto por el de las fechas de los remakes.

“La Matanza de Texas”; dirigida por el alemán Marcus Nispel en el año 2003. Remake de la que dirigió Tobe Hooper (americano) en 1974. Tenemos a Leatherface con una moto sierra en las dos versiones. Y a la familia de éste sacada de un programa de Cárdenas. Adaptación a los tiempos actuales, carne fresca y prieta (esa Jessica Biel con sus vaqueros y su camiseta blanca de tirantes), y un gore bastante evidente, que nos sumerge en la historia (basada en hechos reales, eso es cierto, de un tal Ed Gein, del que hicieron una película, que no he visto, en el año 2000. Según un documental del DVD, encontraron restos humanos en el sótano de este hombre, allá por el inicio de los 70) de unos zumbaos que asesinaban porque… ¿alguien lo sabe? El caso es que Tobe Hooper añadió ciertas dosis de mal gusto y parió una película muy desagradable, angustiosa y desasosegante. Eramos testigos de la indefensión y del sufrimiento de unos chavales que sabíamos, pese a que nos negáramos a verlo, no tenían nada que hacer contra Leatherface y su sierra mecánica (convertida en un icono del cine de terror, al igual que las garras de Freddy y el hacha de “El Resplandor” (Stanley Kubrick, 1980)). Por desgracia, todos esos ingredientes son retirados en pos de un gusto más delicado (pese al gore, eso sí), añadiéndole un “happy end” con trampa que aligera bastante todo lo acontecido. En el DVD, había una escena inicial y final del personaje que interpreta J. Biel, en un manicomio, totalmente desquiciada por lo que le tocó vivir. Ni por esas…

“Amanecer de los muertos”; dirigida por el americano Zack Snyder en el año 2004. Remake de la que dirigió George A. Romero (americano también) en 1978. Tras “28 días después” (Danny Boyle, 2002) los zombies corren que se las pelan. Y Snyder, que luego nos soltó el anabolizado espectáculo filogay (muy divertido) de “300”, hace que todo vaya como a cámara rápida. Los momentos de relax en el centro comercial lo son aún más debido al pavor que provocan esos seres que corren más que tú. Antes podías decir: “A mí no me pillarán, se mueven muy despacio.”. Je, je, je, ahora esa excusa no vale. Algunos podrían pensar que es una traición al zombie original, el que filmó Romero allá por el año 1968. Pero a mí me parece una decisión acertada, los tiempos cambian y lo que daba miedo antes, ahora nos puede provocar risa. Es un fenómeno que pude comprobar en el reestreno de “El Exorcista” (William Friedkin, 1973) en el 2000. 27 años después, había escenas que me provocaban (y no era el único) risa e, incluso, vergüenza ajena. Volviendo a la película de Snyder, hay dos secuencias que destacaría. Una es la de la niña, al principio, cuando muerde al marido de la protagonista, Sarah Polley, cortante, rápida, sangrienta. Y luego el pequeño apocalipsis que contempla ella cuando sale a la calle, en su barrio residencial. Son muy buenas. El montaje hecho para el DVD es más sangriento, si cabe, que el de cine, ya que se permite (al igual que Collet-Serra) dejar un par de segundos más de metraje en los momentos más gore.

“La casa de cera”; dirigida por el catalán Jaume Collet-Serra en el año 2005. Remake de la que dirigió André De Toth (húngaro) en 1953. He de reconocer que recuerdo muy poco de la cinta original, ya que mi memoria suele ser más frágil de lo habitual cuando se trata de una mala película. El caso es que Vincent Price, un actor de películas clásicas de terror, es el dueño del museo de los horrores, donde convierte en figuras de cera a la gente que no le cae bien o que le gusta (como la chica protagonista). El remake de Collet-Serra ahonda en la historia de la disfuncional familia y ahora son dos hermanos quienes perpetran los crímenes. Eso sí, se lo montan mejor y tienen todo un pueblo (iglesia, cine, casas) con gente convertida en figuritas. Pese a que le obligaron a contar con la insufrible Paris Hilton (exigencias de Joel Silver, uno de los productores con más poder en Hollywood, responsable de la trilogía de Matrix), él sabe editar las secuencias gore con mucha pericia, ofreciéndonos un segundo o dos más de lo que estamos acostumbrados, lo que permite ver con perfecto detalle la amputación del dedo del personaje de Elisha Cuthbert, o la muerte de Paris “no sé actuar” Hilton. Lástima que, por ahora, Collet-Serra no tenga más proyectos de este tipo a la vista.

“Las colinas tienen ojos”; dirigida por el francés Alexandre Aja en el año 2006. Remake de la que dirigió Wes Craven (americano) en 1977. Esta es la mejor versión de todas. Salvaje, brutal, angustiosa, enfermiza, etc. El francés que “deslumbró” con la tramposa y efectista “Alta Tensión”, sin dejar de lado los golpes de efecto, directos a la boca del estómago, se recrea en las más terribles escenas, como ese bebé encañonado con la Mágnum y el último estertor de muerte del personaje de Vinessa Shaw cuando su marido, Aaron Stanford, la descubre con un disparo en la cabeza, algo que tomó prestado de su anterior cinta; para que al final, mientras contemplamos la sangrienta y descarnada venganza del personaje de A. Stanford, lo que sucede ante nuestros ojos resulte “justificado” y no nos cause repugnancia. La verdad es que la película original me parecía bastante mediocre. El lavado de cara y el punto de vista de este enfant terrible del cine galo me convencieron pese a mis reticencias iniciales, pues sitúa la sangre muy cerca de nosotros. Denostado en un principio, admití posteriormente que su estilo resulta brutal pero muy propio. Me gusta, sí señor.
Para aquellos que sigáis la carrera de Aja, deciros que está en cines “Parking 2”, una cinta americana bastante mediocre de terror, pero que cuenta con una escena “marca de la casa”. Aja firma el guión y produce la cinta, brindándonos una escalofriante secuencia en la que un hombre es aplastado varias veces contra una pared con un coche. Sangre, tripas, etc.

Para resumir, y siempre desde mi punto de vista, la mejor película original es “La Matanza de Texas” y el mejor remake, “Las colinas tienen ojos”. Y, casualmente, coincide que el peor original me parece el de “La colinas…” y el mejor “La matanza…”. Algún día podríamos hablar acerca de lo que es un remake, de lo que significa, de si son necesarios, de si son sólo una receta fácil para ganar dinero, etc. Hasta entonces, no dejéis de ir al cine y de ver películas (buenas o malas).

El Precio del Cine

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Alien 3 (13-09-92).

En el año 1992 (cuando la expo de Sevilla y las olimpiadas de Barcelona) comencé a conservar mis entradas de cine, una costumbre que, por aquel entonces, muchos otros ya habían decidido adoptar. Ese año el cine costaba 300 pesetas, lo que hoy serían 1,8 euros. Hoy ese precio me parece ridículo, y me cuesta imaginar que hace casi 16 años las entradas fuera exactamente 3 veces más baratas de lo que hoy le cuestan a un estudiante un día de diario.

En base a estos hechos he realizado unas observaciones en las variaciones del precio de las entradas. Para simplificarlo he trabajado sólo con un cine, ya que de unos a otros el precio varía, y con el precio siempre menor, es decir hace 16 años el precio matinal, y actualmente el precio reducido (estudiante –en este caso aplicable– o carnet joven) de diario, ya que el domingo o fin de semana también suele encarecer las entradas.

El resultado se observa a primera vista: el precio asciende regularmente, hasta haberse triplicado en 16 años. La peor subida de precios la sufrimos en 1998, que fue compensada con dos años de mantenimiento, un hecho que no se volvió a producir hasta 2005, tras una subida de 1,2 euros en 4 años. Sin embargo, a pesar de los parones en el alza de las tasas, el ritmo suele ser periódico, y finalmente, y de forma escalonada, seguirá incrementándose.

Llevamos 2 meses de este año y ya hemos sufrido 20 céntimos de recarga en los precios. Fijo que a mediados de año aumenta 30 céntimos más, durante el verano, para que cuando vuelvas a ir al cine, tras las vacaciones, no percibas la subida.

Estos datos están recogidos a partir de 500 entradas repartidas a lo largo de estos 16 años, mostrando mayor consistencia a partir del año 1996.

Recópolis

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Recópolis (Otoño, 2007).

Conocer la historia de esta ciudad es conocer la historia de los godos. Dejad que os esboce algunas ideas acerca de este pueblo, y de las repercusiones que tuvo el mismo en nuestros orígenes. Bienvenidos a Recópolis.

En el año 406 dC penetran en Hispania vándalos, suevos y alanos, saqueando y destrozando el territorio dominado por Roma. Diez años más tarde el pueblo visigodo, originario de Escitia, llegaría a un acuerdo con Constancio, emperador de Roma, y Valia, líder de aquellos se convertiría en federado del Imperio tras aceptar el compromiso de expulsar a los bárbaros invasores del oeste y norte de Hispania. Pero el fin del Imperio estaba cercano, y cuando en el año 476 Odoacro depone al último emperador de Roma, Rómulo Augusto, Hispania estaría ya dominada por el pueblo visigodo.

Los visigodos modificaron la organización política y militar del nuevo Estado, se repartieron las tierras sustituyendo a las antiguas familias hispanorromanas, y mantuvieron la estructura administrativa del imperio. Inicialmente incorporaron el sistema de monarquía electiva y mantuvieron la asamblea de nobles como órgano de poder. Con ellos trajeron sus propias leyes y la religión arriana.

El arrianismo fue una doctrina difundida por Arrio en el s. III. Negaba la divinidad de Cristo y la Trinidad, pues Cristo, como hijo de Dios no era divino, sino que, como todo lo demás fuera del padre, había sido creado por Dios. Constantino, emperador de Bizancio, acabó con esta doctrina en el primer concilio ecuménico convocado en Nicea (325), decretando la consustancialidad del padre y el hijo. Pero este hecho no impediría que el pueblo visigodo trajera esta realidad a Hispania.

Por el año 572 Leovigildo, rey de Toledo, quiso ampliar sus territorios dentro de Iberia, ocupada por bizantinos y suevos. Para ello contaba con la ayuda de sus dos hijos, a quienes había asociado al gobierno, Hermenegildo, encargado de luchar contra los bizantinos, y Recaredo, encargado de los suevos.

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Basílica de Recópolis (Otoño, 2007).

En 578, Leovigildo funda Recópolis junto al río Tajo, en Guadalajara, en honor a su hijo, Recaredo, de donde viene su nombre. La ciudad se crea con objetivos estratégicos, sobre un cerro, para controlar el río y los tres valles que desde ella se divisan. Dos años después, Hermenegildo, que se había casado con una cristiana, influenciado por san Leandro de Sevilla, abraza el catolicismo, oponiéndose a su padre que ese mismo año había convocado un sínodo arriano, para lograr la unificación religiosa. En 583, Hermenegildo, fue sometido y desposeído del mando por su padre. Después de haber sido enviado a Valencia, muere en Tarragona al no querer abjurar de su religión.

Leovigildo sometió a los suevos, y fue el primer rey visigodo que acuñó moneda, en Recópolis. Autorizó el matrimonio entre godos e hispanorromanos y promulgó un código único para todos sus súbditos. A su muerte, 586, su hijo, Recaredo, tomó el mando, y tres años después convocó el III concilio de Toledo, donde hizo pública su conversión al catolicismo, hecho que acabaría por unificar la fusión entre los hispanorromanos y visigodos, y que influenciaría a sus ciudades, y entre ellas, a la bella Recópolis.

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Muralla de Recópolis (Otoño, 2007).

Tras la invasión árabe del 711, Recópolis sería utiliza por éstos, posteriormente abandonada, y reutilizada como cantera para la construcción de la fortaleza de Zorita de los Canes (ver post Zorita de los Canes, de Noviembre de 2007).

PS. Visitar el parque arqueológico de Recópolis cuesta 4 euros (Otoño, 2007), y la mitad si eres estudiante.